Una serie fracasada, perdida en los anales de la televisión británica que es rescatada del olvido para convertirse en un show fabuloso. Una serie dentro de otra serie… y dentro de un documental.

Hay dos series paralelas. Una, la que nos llega a nosotros, que se titula “Garth Marenghi’s Darkplace”, escrita y protagonizada por Matt Holness y Richard Ayoade, interpretando al escritor de libros de terror Garth Marenghi y al actor Dean Lerner. Los dos personajes, en una suerte de falso documental, recuerdan un viejo show televisivo de horror que filmaron en los ’80 al tiempo que, en cada episodio, muestran un capítulo entero del antiguo programa.

La otra serie, esa que ellos quieren recordar, es “Darkplace” y cuenta las andanzas del médico Rick Dagless (interpretado por el escritor Marenghi, y a su vez por el actor de la vida real Holness) en un hospital repleto de casos paranormales de bajo presupuesto.

Son, dicho de este modo tan confuso, una serie que habla sobre otra serie, aunque la segunda no existió realmente en nuestro mundo. “Garth Marenghi’s Darkplace” es, ante todo, una parodia pero a la vez un sentido homenaje a todas esas series de los 80′s, incluso a las menos lucidas.

Darkplace, la serie dentro de la serie, tiene todos los clichés del cine de la época, a la vez que el personaje de Garth Marenghi tiene todos los lugares comunes del escritor de terror/showman al estilo R.L. Stine o Stephen King. Pero el mayor acierto es haber logrado que Darkplace realmente parezca una serie filmada hace casi tres décadas, con una intro fabulosa que rememora todas las producciones televisivas del momento, una estética acertada hasta en los mínimos detalles y hasta un sonido, empastado y levemente desfasado que, acompañado por las voces exactas dan todo el aspecto de ser real. Además, se le suman burlas a lo que solía ser la televisión hecha por kilo, como el episodio en que los actores explican que los capítulos duraban ocho minutos menos de lo debido entonces debían poner cámara lenta en todas las escenas que no tuvieran diálogos, o la vez que murieron dos técnicos de la producción, pero no fue tan grave porque pudieron reemplazarlos por otros (“el martillo es el mismo, no es gran cambio”).

Y, para sumar porotos a una serie que es buena hasta en sus títulos, se suma un redundante y fabulosos videoclip protagonizado por el sidekick del doctor Dagless, el doctor Sánchez, interpretado por Matt Berry, que además de actor es músico en la vida real:

Sumado a esto, todos los guiños a las películas del momento: Carrie, The Fog y el cine de ciencia ficción clásico en general, con sus deformes monstruos del espacio que venían para esclavizarnos y a la vez mostrar su ternura. Al mismo tiempo.

También son interesantes las intervenciones del cast original en el documental, contando qué fue de cada uno de ellos, sumado a la genial anécdota sobre el enigmático desenlace de la actriz Madeleine Wool.

La serie es básicamente de humor absurdo, con elementos de parodia y humor negro. Apenas seis capítulos la componen, que en su momento tampoco tuvo el debido reconocimiento pero de a poco se fue convirtiendo en un objeto de culto, como pasa con las cosas de verdad buenas tarde o temprano.

Absoluta y totalmente recomendable para aquellos que estén incursionando en el humor negro británico de TV, para los que hayan disfrutado The IT Crowd y, sobre todo, para los que amen ese entretenimiento ochentoso que nos convirtió en esto.

 Título original: Garth Marenghi’s Darkplace
País: Gran Bretaña
Año de emisión: 2004
Cadena: Channel 4
Creador: Matthew Holness, Richard Ayoade
Temporadas: 1
Cantidad de episodios: 6

Warwick Davis tenía 13 años cuando se calzó por primera vez un disfraz que lo tapaba por completo. Con el tiempo, su persona (su cara en menor medida) iría haciéndose conocida en cuanta producción de ciencia ficción o fantasía necesitara un actor pequeño. Pero, como casi siempre pasa, Warwick siempre quedó ligado a papeles secundarios en producciones fantásticas. Fue “el enano”, como él mismo dice, de Star Wars, Harry Potter, Laberinto, Leprechaun, Narnia y Merlín. Tuvo su época de gloria como protagonista de “Willow” la película creada por George Lucas donde Val Kilmer, en pleno 1988, fue relegado a ser su sidekick.

Podrían existir muchas formas de que Warwick Davis hablara de su vida pero, para fortuna de todos, no es a través de la autocompasión. Por el contrario, cuando Davis fue invitado a participar en Extras (aunque “en el capítulo de Daniel Radcliffe”) le propuso a Ricky Gervais y a Stephen Merchant hacer una miniserie sobre su propia vida. Siempre pensada desde el humor ácido y la incorrección, Life’s too Short, desde su título, fue pensada como un retrato irónico de la vida desde el metro de estatura.

El estilo guarda muchas similitudes con Extras, aunque si se lo mira con atención.. guarda incluso más parecidos con la serie argentina “Todos contra Juan”. Bueno, dudo que Ricky la haya visto pero hay que decirlo. La idea parte de un falso documental con Warwick como eje, haciendo de él mismo en un mundo aparentemente real. Es un actor engreído, anclado en la época de Willow y convencido de que es una celebridad, aunque el teléfono no le suena hace rato. Sus ganas de disimular la carrera que va en picada son tan fuertes como la escalada de sus problemas profesionales y personales.

En pleno juicio de divorcio y escarbando en su agenda de contactos, relata el día a día de su historia. Los creadores de la serie, Gervais y Merchant, son personajes recurrentes. Ambos hacen, obviamente, de sí mismos y son tanto o más soberbios que el propio Davis, aunque se los pinta como exitosos y desganados empresarios, que se pasan el día tras un mostrador haciendo lo imposible por evitar a los pesados que llegan a pedirles trabajo.

La serie cuenta con siete capítulos de calidad variable, aunque en términos generales logra que el protagonista empatice con los espectadores. Uno, a la larga y aunque Davies sea insoportable (dentro del planteo de la serie claro), quiere que finalmente le vaya bien. Lo cierto es que, al igual que en Extras, el personaje es puesto continuamente en situaciones patéticas y absurdas que lo dejan mal parado o simplemente lo entierran por su propia falta de habilidad y pedantería.

El humor negro rige la serie, aunque con frecuencia se recae en gags sobre el enanismo de Davis. Algunos son efectivos, pero como todo humor que apela a cuestiones físicas, la reiteración a veces aburre y hasta resulta un poco ofensiva… momento, ofensiva? La palabra mágica. Se ha acusado a Ricky de muchas cosas y esa es seguramente la más recurrente. Gervais, así como Davis, usan la ofensa como arma de doble filo, para que la tome o la deje el espectador. Y dejarla quiere decir dejar también la serie. Quizás los temas que aborde Life’s too Short no sean tan osados y jodidos (así como gloriosamente tratados) como ocurría en Extras, pero su gran dosis de “hacer chistes con lo que no se debe” obviamente pone reservas al momento de recomendar esta serie a cualquiera.

Si te gustó Extras, es sumamente recomendable que veas Life’s too short. Quizás no sea tan buena, es cierto, pero se la ve rapidísimo y tiene algunos momentos que rozan la genialidad. En términos generales quizás tiene varios momentos no-graciosos, más de los que debería, pero la evaluación general, de mi lado, es positiva. Sobre todo es destacable que la idea y la mayoría de los chistes hayan salido del propio Davis. Muchos de los chistes referidos a su vida cotidiana parecerían exageraciones si no fueran verdades dichas por él mismo, por ejemplo que tiene que usar un lampazo en los supermercados para alcanzarse los productos de los estantes más altos. Sin embargo, el chiste no está en reirse de esas dificultades, no. Sino del absurdo empleado que quiere obligarlo a comprar el lampazo porque “acaba de usarlo”.

Life’s Too Short por momentos puede parecer una serie que se ríe de la gente pequeña, pero quedarse con eso sería tapar la totalidad, no escuchar al propio Davis. Lo que él toma a chiste es cómo la sociedad se planta frente a un enano que entra a un restaurant (suponiendo que la chica de las mismas características que espera adentro tiene que ser su pareja) o un shopping. Cómo uno mismo, independientemente del grupo al que pertenezca, puede ser discriminador con sus pares, sólo por esa búsqueda permanente de la normalidad. Cómo se puede hacer chistes, en fin, con todo sin importar lo que digan, porque que de igual lo que digan es el punto de partida de la serie.

Otro fuerte son las intervenciones de actores famosos, en especial de Liam Neeson y Johnny Deep. Neeson llega ante Ricky, Stephen y Warwick y les pide ayuda para hacer un número de stand up, ya que se considera gracioso. No solamente es super osado el nivel de maldad con que la serie se ríe de “los temas con los que no se puede bromear”, sino la interpretación caracúlica de Neeson que de ser tan malo para el humor pasa a ser brillante. Y, por el lado de Johnny Deep, sirve como vehículo para burlarse de quienes se ofendieron con las palabras de Gervais en los Golden Globes del año pasado.

Mención aparte para los personajes secundarios, en especial para la formidable Rosamund Hanson en el papel de la secretaria de Warwick y Steve Brody como su empleado contable. Los dos concentran todo el prejuicio automático del mundo, exagerado desde el absurdo y lo inimputable.

Life’s too short quizás tuvo algunos elementos faltantes, como más seguidilla de chistes, hasta llegar a ese nivel de incomodidad extrema que alcanzaba con maestría Extras. No obstante, tiene muchos otros alicientes que la meten en un terreno poco frecuentado por la comedia: el humor negro sobre cosas serias hecho y pensado, justamente, por quien debería ofenderse. Eso la coloca en un lugar especial, destacable. No faltarán ofendidos, pero claro… eso es parte del juego que Gervais propone hace rato.

Lo cierto es que Life’s too short pone todas las cartas sobre la mesa, quizás se queda a medio camino y no tiene un final feliz (aunque sí una segunda temporada para… 2013), pero pone a todos en la situación de preguntarse… ¿qué personaje se está burlando de mí, aunque no quiero admitirlo? Quizás el que trata de reconfortarlo diciéndole que al menos tiene los brazos largos, que el mundo laboral lo está esperando en su inmensa amabilidad y tolerancia, que a las chicas no les importa. Life’s too short tiene una segunda lectura que la trasciende y es dejar en evidencia hasta qué punto la corrección política puede ser más ofensiva y nefasta que relajarse y entender que hay que reirse de ciertas cosas, porque sólo de ese modo dejan de ser un obstáculo.

Título original: Life’s Too Short
País: Gran Bretaña
Año de emisión: 2010
Cadena: BBC Two
Creador: Ricky Gervais, Stephen Merchant y Warwick Davis
Temporadas: 1
Cantidad de episodios: 7

“Los psicópatas no pueden empatizar ni sentir remordimiento, por eso interactúan con las demás personas como si fuesen cualquier otro objeto, las utilizan para conseguir sus objetivos, la satisfacción de sus propios intereses. No necesariamente tienen que causar algún mal.” Wikipedia no tendrá un doctorado en psiquiatría, pero da una descripción de la psicopatía que bien sirve para introducirnos en el lisérgico mundo de esta breve serie británica donde la palabra freak queda corta.

El arranque de la serie utiliza un recurso parecido al que usara  John Boynton Priestley en su gran cuento “An Inspector Calls”, en el que una familia es interrumpida durante la cena por un detective que investiga el suicidio de una joven.  Les va mostrando la foto a cada uno de los miembros del clan a medida que se va descubriendo una gran red de secretos y complicidades relacionados a ella, pero mantenidos en silencio.  Esa foto mostrada poco a poco destapa la historia y moviliza a los personajes desde lo más profundo.

En Psychoville, seis personas reciben la misma carta amenazante sobre su pasado oculto. Son un payaso decadente que anima fiestas para niños a pesar de faltarle una mano y llegar con su destartalado auto cubierto de polvo, un anciano ciego que vive solo en una mansión junto a su enorme colección de muñecos de peluche, un actor de teatro enano con un pasado en el cine porno y supuestos poderes psíquicos, una partera traumatizada con la pérdida de su hijo y un muñeco al que cuida como si tuviera vida y una madre e hijo fanáticos de los asesinos seriales y con una relación incestuosa.

Los creadores de esta oscurísima y ácida historia son Reece Shearsmith y Steve Pemberton, quienes al mismo tiempo interpretan a varios personajes entre los que se destacan Maureen y David Sowerbutts, dos de los personajes principales que inician una masacre en su pueblo, a modo de venganza.

Steve Pemberton también actúo en la interesante serie de misterio Whitechapel, con un personaje muy diferente al Steve de Psychoville, pero algunos puntos de contacto: su enfermiza obsesión por los asesinatos. El elenco se completa con Daniel Kaluuya, Daisy Haggard, Dawn French, Eileen Atkins, Daniel Scarborough y una enorme lista de actores que, en la mayoría de los casos, interpretan a varios personajes.

Lo interesante de la serie es que recién tras varios capítulos se comienza a descubrir el vínculo entre los personajes y su contacto es de escaso a nulo en la primera temporada, así como su conocimiento sobre el autor de las cartas amenazantes, misterio que lentamente se va aclarando.

Otro aspecto llamativo es que Psychoville no transcurre, como su nombre podría suponer, en un pueblo donde todos están tan desquiciados como estos personajes, más bien hay un cierto nivel de locura generalizada, pero que se ve mucho más acentuada y llevada al absurdo en estos seis principales.

El humor siempre pendula entre un tono negro sin tapujos al mejor estilo Extras, una estética lúgubre y de vez en cuando desagradable y mucha, pero mucha mala leche. Los personajes, a pesar de tener un nivel de absurdo que va en ascenso conforme avanza la serie tienen historias muy bien armadas, personalidades que compañan ese background con mucha solidez y episodios que, independientemente del hilo general forman historias memorables.

Psychoville tiene, además, una infinidad de guiños y homenajes al cine de terror. En particular llega al extremo de la destreza narrativa con el episodio íntegramente dedicado a Maureen y David, en la primera temporada, que es una alabanza de 28 minutos al film “The Rope”. El episodio también está filmado en un único plano secuencia (incluso más real que el de Hitchcock y sus cámaras limitadas) y sus actores la descosen con una actuación inmejorable y sin cortes en la que deben ocultar el cadáver de una de sus víctimas cuando aparece un detective.

Título original:  Psychoville
País: Gran Bretaña
Año de emisión: 2009-2011
Cadena: BBC One
Creador: Reece Shearsmith y Steve Pemberton
Temporadas: 2
Cantidad de episodios: 13

Hay ideas que no se aseguran ventas por ser originales, pero que si logran dar resultados sobresalientes tienen un mérito muy especial. En Inglaterra, como en Estados Unidos, hay una tendencia siempre vigente de tomar historias clásicas e intentar trasplantarlas a la otros períodos, situándolas además en el mundo “real” (sin elementos sobrenaturales).

El ejemplo de Sherlock guarda algunos puntos de contacto con Being Human, en tanto que busca tomar algo sobre lo que se han escrito bibliotecas y darle un lugar y tiempo como el que vivimos en nuestras habituales y poco mágicas vidas. Ahora bien, lo determinante en ambos casos es que se logran producciones valiosísimas desde todo punto de vista y han logrado tener una identidad propia, en el delicado equilibrio de respetar el espíritu del original y despegarse de los lugares comunes. Sherlock surgió un poco de ese modo.

Se tomó la historia clásica, y contada más veces de las que el propio Conan Doyle quisiera, del detective londinense más maravilloso de la humanidad. Su creador, Steven Moffat, es sin dudas una de las grandes promesas dentro del guión televisivo (y también cinematográfico, con Tintín), que tuvo su gran desembarco como cabeza de las nuevas temporadas de Doctor Who, la creación hace unos años de Jekyll y ahora este nuevo desafío del que está saliendo incluso más victorioso que de todo lo anterior.

Son pocas las críticas negativas que se le pueden hacer a Sherlock y la única que yo admito, es a la vez un halago: debería durar más. Hasta el momento, apenas cuenta con dos temporadas de tres capítulos cada una. Con una duración de una hora y media cada episodio, eso sí. Definitivamente cada uno es comparable a una película.

Su calidad a nivel técnico es acompañada con buenas historias, a veces algo enredadas, que parten de una de las escasas novelas o los incontables cuentos protagonizados por Sherlock, a los que se les agrega nuevos giros y una presencia más sostenida del hermano, Mycroft Holmes. No es para menos ya que el actor que lo interpreta, Mark Gatiss, es a la vez co creador de la serie  y productor ejecutivo.

Al igual que como Moffat hizo con Jekyll, la historia parte del “¿Qué hubiera ocurrido si Sherlock no hubiera resuelto casos a fines del siglo XIX, sino en 2011 y sus sucesivos?”. Desde ahí, todo se reacomoda. Sherlock es un joven de mente brillante, pero soberbio y esdeñoso, bastante en la línea de su antecesor.

Sólo cambia el opio por los cigarrillos de tabaco (podrían haberse animado a más), pero mantiene el violín y el amor por las ciencias exactas que hace que su sitio web no sea visitado por nadie con cariño por su tiempo libre. Watson, en cambio, también tiene un pasado como soldado y un blog, mucho más popular en el que hace reseñas de los casos que debe ir resolviendo con su amigo. Pero al principio no lo hace por hobby, sino por prescripción médica.

Los dos personajes que componen a estos personajes son, sin lugar a dudas, otro pilar fundamental de los méritos de esta serie. Benedict Cumberbatch, con su profunda voz le hace gambeta a esa cara algo aniñada (aunque tampoco es un pibe), y arma un Sherlock totalmente a la altura de las circunstancias. Un bicho raro que no por eso parece ni demasiado anacrónico ni irreal. Su compañero, mucho más habitual pero no por eso de interpretación menos destacable, es el Watson de Martin Freeman. Los dos, que volverán a encontrarse en el climax de The Hobbit (Freeman como protagonista y Cumberbatch como voz de Smaug), destacan desde el principio por forjar una relación que da mucho juego. Tanto en sus constantes peleas y contradicciones como en los recurrentes chistes sobre la relación gay que todos le sospechan, aunque nunca deja de ser más que un juego del guión para desacartonar sobre todo a Watson.

Ampliamente recomendable  para todo aficionado al género policial que busque una narración diferente de los clásicos.

Título original:  Sherlock
País: Gran Bretaña
Año de emisión: 2011-actualidad
Cadena: BBC One
Creador: Steven Moffat, Mark Gattis
Temporadas: 2
Cantidad de episodios: 6

Es fijo que todos los años encuentro alguna serie, nueva o vieja, que me obligue a hacer una buena maratón de capítulos. Este año la historia se repitió con un par que sospechaba que me iban a enganchar, como Six Feet Under y Breaking Bad, pero también, y contra todo pronóstico, terminé “maratoneando” con The Good Wife. Y digo que me sorprende, que fue inesperado, porque realmente nunca pensé que fuera a atraerme una serie de abogados, más allá de que había leído buenos comentarios al respecto de esta producción relativamente reciente de la CBS (recién va por la mitad de su tercera temporada). De no haber sido porque Lisa Edelstein (aka: la doctora Cuddy, de House) confirmó hace meses que iba a estar en la nueva temporada, creo que jamás me hubiera decidido a echarle un vistazo a The Good Wife, y  sin dudas me hubiera perdido de conocer una muy buena serie.

Creada por Robert y Michelle King, y con los hermanos Ridley y Tony Scott entre sus productores ejecutivos, The Good Wife entra en la categoría de series procedimentales, es decir, esas con capítulos autoconclusivos y un “caso del día” para resolver. Pero, por supuesto, también tiene su arco argumental principal, que en este caso es la historia de Alicia (Julianna Margulies), una abogada casada con Peter Florrick (Chris Noth), un influyente abogado de la ciudad de Chicago que en los primeros minutos de la serie es enviado a prisión tras verse envuelto en un escándalo sexual y casos de corrupción. Mientras Peter está guardado en la cárcel con unos cuantos abogados a su lado intentando liberarlo, Alicia, quien hace más de diez años que no ejerce su profesión, empieza a trabajar en la firma Stern, Lockhart & Gardner gracias a su amigo Will Gardner. Sin embargo, no todo es tan fácil como parece, porque además de tener que pagar derecho de piso y empezar “de abajo”, a esta buena esposa que todavía sigue visitando a su infiel marido en prisión la van a acosar la prensa, los rumores, las mentiras, y los prejuicios para hacerle la vida imposible a ella y a sus hijos.

Probablemente la sinopsis no los atraiga demasiado, especialmente si no son amantes de las series de abogados o de los procedimentales. A mí me pasó lo mismo. Y sin embargo The Good Wife, con todas las limitaciones que pueda tener el formato de este tipo de series, funciona muy bien y,  superados los primeros capítulos, se torna muy interesante. Al contrario de lo que podría esperarse, no se torna aburrida gracias a su muy buen ritmo, a sus personajes, a las muy correctas actuaciones de todo el elenco en general, a los casos, y a sus muy buenos guiones. Decididamente la combinación de drama legal y drama familiar más algunos toques de humor le queda perfecto.

Más allá de que los casos en general son muy interesantes y atractivos por su variedad y actualidad, creo que una de las grandes razones para que The Good Wife funcione tan bien son sus personajes, tanto los principales como los secundarios. Por un lado, claro, está Alicia, que más allá de lo que el rostro de vampiresa de Julianna Margulies pueda sugerir, no es una abogada garca y es imposible de odiar. Ella, la good wife, que por sus hijos se banca que las represalias contra su marido le caigan a ella de rebote; ella, que se compenetra emocionalmente con cada caso; ella, con su aparente tranquilidad a cuestas; ella, que es tan… querible. Gran trabajo de Julianna Margulies.

Por otro lado, tenemos a Will Gardner (Josh Charles) y Diane Lockhart (Christine Baranski), abogados experimentados que, a diferencia de Alicia, están más dispuestos a seguir las reglas del juego y tirarse para el lado que más se ajuste a sus intereses. Lo mismo ocurre con Cary Argos (Matt Czuchry), un joven abogado que compite con Alicia para conseguir un puesto en la firma de abogados. Y si de personajes importantes hablamos, hay que destacar especialmente a Eli Gold (Alan Cummings), el consejero de Peter Florrick y uno de los mayores responsables de aportarle a la serie sus dosis de humor, y por supuesto también a Kalinda Sharma (Archie Panjabi), un personaje tan badass como enigmático que se encarga de conseguir pruebas para cada defensa de los clientes de la firma de todas las maneras posibles.

En definitiva, una serie que recomiendo mucho. Como dije al principio, no pensé que me fuera a atraer, y de hecho en los primeros capítulos no me enganché demasiado, pero poco después empezó a ponerse mejor, me encariñé con algunos personajes, me atrajeron los casos y… y bueno, acá estoy escribiendo este post para ver si a alguien le sirven todas estas palabras y se engancha con este procedimental muy prolijito, bien guionado, y bien actuado. Para que lo agenden.

Título original:  The Good Wife
País: Estados Unidos
Año de emisión: 2009 – en emisión
Cadena: CBS
Creador: Michelle King, Robert King
Temporadas: 3
Cantidad de episodios: 57 (hasta el momento)

Ha pasado mucho tiempo desde aquella violenta y shockeante escena en la que una joven agente del MI-5 era asesinada frente a sus compañeros con una freidora. Diez años, para ser más exacta. Eso ocurrió en el segundo episodio de Spooks y sin dudas marcó, junto con  la solidez de su elenco y de sus guiones, algo que caracterizaría a la serie para siempre: la violencia, la crueldad, la facilidad para matar personajes principales sin demasiados miramientos. Pero ahora todo eso ya forma parte de un buen recuerdo, porque hace más de una semana Spooks se terminó… y para siempre.

A continuación, mi opinión sobre la décima y última temporada de esta gran serie de la BBC, haciendo especial énfasis en, por supuesto, el episodio final.

En la primera temporada de Spooks, Harry Pearce (Peter Firth) ya era el jefe de la sección D del MI-5, pero no era la atracción principal. En ese momento, los que más llamaban la atención eran los jóvenes agentes que salían, armas en mano, dispuestos a perseguir terroristas, simular ser otras personas, y desactivar bombas. Diez temporadas más tarde, la situación es otra: sigue habiendo agentes jóvenes (ya no los mismos de por aquel entonces) que salen a patear las calles, pero ahora el que más interesa es Sir Pearce. Es así como el argumento de esta última temporada se introduce en la vida de Harry para llevarnos a su pasado como espía durante la Guerra Fría, etapa durante la cual entabló una relación con Elena Gavrik, esposa de un espía de la KGB, primero por razones estrictamente profesionales -para convertirla en una doble espía para Rusia y Gran Bretaña- y más tarde por razones sentimentales. Treinta años después, ya en la actualidad, Harry y Elena vuelven a encontrarse en el contexto de la firma de un tratado entre sus dos países y, como era de esperarse, los peligros están a la vuelta de la esquina…

Sin dudas me resultó interesante que los guionistas de Spooks se decidieran a ahondar un poco en la vida personal del personaje más importante de la serie ya que, recordemos, este programa nunca se caracterizó por dar demasiados detalles sobre las vidas de los agentes. Además, creo que le sumó más dramatismo al asunto y lo hizo personal y más atractivo para los espectadores. La introducción de la familia Gavrik también me pareció interesante no sólo por su relación con Harry, sino también por sus integrantes, especialmente Elena (Alice Krige) -con su aspecto de mujer fría, misteriosa, y su tono de voz afectado- y, cómo no, Sasha (Tom Weston-Jones), hijo de Elena y, durante cinco capítulos, también de Harry. Gracias a ellos dos se fue develando parte de la historia de Sir Pearce y se fue mostrando la culpa enorme que él sentía por no haber podido ayudarlos en su momento, tal como les había prometido.

Durante los escasos seis capítulos que duró esta temporada se fue construyendo una historia entretenida que incluyó conspiraciones, terrorismo, secretos, y todas esas cosas que Spooks tan bien sabe hacer. Que Elena efectivamente haya estado engañando durante todo este tiempo a Harry me parece que no fue sorpresivo, pero eso se compensó en el último capítulo con la revelación de diversas traiciones y secretos muy bien guardados dentro de la familia Gavrik y que Harry, a pesar de ser un buen espía, jamás vio venir.

Con respecto a los demás personajes, este año hubo dos nuevas incorporaciones en el equipo de la mano de Erin (Lara Pulver) y Callum (Geoffrey Streatfeild), mientras que se mantuvieron Dimitri (Max Brown), Tariq (Shazad Latif), y la gran Ruth Evershed (Nicola Walker). El equipo nuevo me agradó, pero nada más. En mi opinión, le faltó un líder fuerte, como fueron Tom, Adam, o Ros en su momento, y por eso me da la impresión de que la idea era que esta temporada se centrara en Harry y Ruth principalmente y que no se desviara tanto la atención hacia los demás personajes. Igualmente, como ya es habitual en Spooks, a alguno le tenía que llegar la hora, y la víctima fue el pobre Tariq, el techie del grupo. Una lástima.

Ahora, el final. El final de los últimos diez minutos que, más allá de la historia de los Gavrik, era el que más me interesaba. Ese final. Ese que me produce sensaciones un tanto conflictivas.

La historia de Harry y Ruth, en el plano romántico, debe ser una de las más largas e imposibles de la historia. “Amor” y “Spooks” no se complementan, eso es sabido, y diez temporadas creo que fueron suficientes para demostrar que es imposible que los espías tengan una vida relativamente normal rodeada de afectos. Por eso, a la idea de que lo de Harry y Ruth iba a terminal medio mal la tuve siempre, pero eso no quita que haya tenido cierta esperanza por ellos. Creo que en cierto momento del episodio, la muerte de Ruth pudo intuirse, pero igualmente a la sensación de tristeza no me la saca nada. Después de ver los últimos diez minutos, mi primera reacción fue algo parecido a “[inserte su insulto de preferencia aquí] ¡LOS ODIO!” Pero claro, luego de reflexionar un poco, mientras sentía un horrible vacío por dentro (porque definitivamente no está bueno que maten a tu personaje favorito), empecé a darme cuenta de que, si bien odiaba a los guionistas de Spooks por matar a Ruth, el final era totalmente adecuado y coherente con lo que había sido la serie durante estos diez años. Era inútil esperar un final feliz para estos dos espías sufridos y complicados, y hasta su conversación final fue triste: las últimas palabras de Ruth, “Harry, we were never meant to have those things”, fueron palabras de resignación porque sabía desde hacía mucho que nunca iba a tener la vida que soñaba (¡y en una casa con puertas verdes!). Snif. Siempre me quedarán los mejores recuerdos de la relación entre Harry y Ruth, mis dos personajes favoritos de la serie, así como también de la tremenda química que hubo siempre entre Peter Firth y Nicola Walker, sin dudas dos enormes actores que en las últimas tres temporadas se fueron cargando lentamente la serie al hombro.

En los minutos finales de Spooks todavía quedó tiempo para una sorpresita (al menos si conseguiste sobrevivir la semana previa al final de la serie sin que Internet te la spoileara) y para otra escena que hace que se te piante el lagrimón. La sorpresa fue el retorno de Tom Quinn (Matthew Macfadyen), reclutado por Harry para hacerse cargo del ruso que había estado complotando con Elena. Su aparición es muy breve, pero estuvo buena, especialmente considerando que a los actores de Spooks en condiciones de volver al programa (ergo, que sus personajes no están muertos) se los puede contar con los dedos de una mano. Y la escena triste a la que me refería (como si con la muerte de Ruth no hubiera alcanzado) es esa en la que Harry va a visitar un lugar del MI-5 donde se recuerda a todos los agentes que murieron durante sus años de servicio, un lindo y tristón recuerdo hacia todos los viejos personajes.

Creo que igualmente triste resulta ver a Harry en su escena final, atendiendo el teléfono de su oficina dispuesto a seguir trabajando como espía como desde hace tantos años, porque claro, ahora que Ruth no está más, ¿qué sentido tiene dejar el MI-5? ¿Qué puede él hacer con su vida sin el MI-5 si no tiene por lo menos alguien con quien estar? Nada. Y por eso vuelve a su despacho, triste, solitario, resignado, dispuesto a seguir combatiendo a esos que Callum define en los minutos finales como “gente mala que quiere matarnos”.

Y hasta acá llegué. Es larguito el comentario, pero va a ser la última vez que reseñe una temporada de Spooks (a todas las demás ya las reseñé años atrás en mi blog), y además tenía ganas de hacer catársis por escrito. Realmente es una lástima ver a esta serie partir para siempre, pero luego de tantos años es preferible que se haya terminado ahora, en el momento justo, a que la hubieran estirado interminablemente hasta destruirla. Gracias Spooks por tantos años de excelente drama. Hasta pronto, Harry Pearce.

Título original: Spooks
País: Reino Unido
Año de emisión: 2002 – 2011
Cadenas: BBC
Creador: David Wolstencroft
Número de temporadas: 10
Cantidad de episodios: 86

Whitechapel es un policial de la cadena británica ITV que presenta al Detective Inspector Joseph “Joe” Chandler, un joven de clase alta obsesivo del orden y la limpieza que, gracias a la influencia de su padre, logró escalar posiciones en la fuerza policial muy rápidamente. Joe tiene buenas intenciones y busca cumplir con su trabajo de la mejor manera posible, pero su notable falta de experiencia le juega en contra cuando es asignado para dirigir a un equipo de detectives ya curtidos en el área de homicidios que representan un notable contraste con su personalidad y no lo reciben con los brazos abiertos. Dentro de ese grupo será su Detective Sargento, Ray Miles, quien destaque como el viejo y experimentado policía que, a pesar de resistirse un poco a las órdenes de su novato jefe, en un punto termina actuando como su mentor.

Hasta el momento, Whitechapel consiste en dos temporadas muy breves de tan sólo tres capítulos cada una que te dejan deseando que ojalá hubiera algunos episodios más porque realmente se hacen muy cortas. La primera giró alrededor de un asesino que buscaba recrear la historia de Jack el Destripador cometiendo sus cinco crímenes más famosos en exactamente los mismos lugares y utilizando mujeres con características similares a las asesinadas allá por 1888. En esta historia, el asesino siempre les llevaba ventaja a los detectives que, con la ayuda del ripperólogo Edward Buchan, se embarcaban en una carrera contrarreloj para tratar de atraparlo antes de que cometiera su próximo crimen. Muy oscurita y con unos giros interesantes, además del tira y afloje en la relación entre Joe y el resto de sus compañeros, la primera temporada fue sin dudas muy buena.

Igualmente buena fue la segunda, que se centró en dos siniestros gemelos asesinos y herederos de una vieja mafia que azotó Londres durante los años ’60. Sin embargo, más allá de los criminales, la historia también se tornó interesante porque la confrontación que solía haber entre Joe y su equipo ahora se había trasladado a él contra sus superiores burócratas, los mismos que lo ayudaron en su momento a conseguir un puesto alto dentro de la fuerza policial.

En Whitechapel hay momentos de suspenso muy bien logrados, y la atmósfera oscura y sangrienta de cada investigación le da un atractivo muy interesante a la serie. Igualmente destacables son las muy correctas interpretaciones de su elenco, particularmente las de los dos protagonistas, Rupert Penry-Jones y Phil Davis, el primero conocido por haber interpretado durante años al espía Adam Carter en Spooks, y el segundo por sus participaciones en diversas series inglesas como Ashes to Ashes, Doctor Who, y Sherlock.

Es cierto, Whitechapel no aporta nada realmente nuevo al género policial, pero eso no significa que no sea más que digna de ver. Es excelente entretenimiento, tiene suspenso, buenas actuaciones, buena escenografía, y es inglesa, características que sin duda la convierten en una serie muy recomendable.

Título original:  Whitechapel
País: Reino Unido
Año de emisión: 2009-actualidad
Cadena: ITV
Temporadas: 2
Cantidad de episodios: 6

No es romántica, pero tiene momentos cursis. No es una serie de ciencia ficción, pero tiene elementos sobrenaturales. No es una serie policial, pero tiene detectives y crímenes. En realidad, Pushing Daisies es algo bastante diferente a lo que suele verse en series de TV en los últimos años pero, por otro lado, no inventó algo fuera de órbita. Cualquier espectador podría notar rápidamente que tiene una estética muy parecida a la de “El Gran Pez” o “Charlie y la Fábrica de Chocolate”. El tono de Tim Burton de alguna manera sobrevuela toda la serie, sin volverla una copia sino más bien un collage de muchas cosas que terminan convirtiéndola en un objeto original y atrapante, por extraño que parezca.

Se sabe que en los últimos años se reimpulsó la creatividad en las series estadounidenses, pero casi todas se mantuvieron más o menos en los cánones del drama. Pushing Daisies definitivamente vino a ofrecer algo distinto: una comedia inocente sobre temas que mezclan la violencia, el romance endulzado, el gore y el absurdo.

Contar el el primer capítulo sería, de alguna manera, un enorme spoiler. Pero si están leyendo esta reseña es porque: A, les encantó así que no destripo nada nuevo. B, les interesa y quieren saber de qué trata por lo que deben leer lo que viene. C, no les interesa así que la información que viene les dará lo mismo. Bueno, en el caso C supongo que no estarían leyendo esta reseña…

En fin. En los primeros minutos del arranque, un relator en off (que no abandonaría jamás la serie) cuenta toda la historia sin dejar nada en el tintero. Presenta, ante todo, a Ned un niño de nueve años que vive con su madre y un día descubre que con sólo tocar a los muertos, los revive. Pero ningún poder se gana gratuitamente y el chico no tarda en descubrir que si vuelve a tocar a la persona revivida, ésta muere para siempre.

Claro que, sentando las bases de lo que sería el humor reinante en la serie, la situación es lo más traumática posible: Ned descubre todos estos pormenores de su poder luego de que su madre muera naturalmente de un ataque cardíaco. Al tocarla, la regresa a la vida, pero vuelve a morirse cuando le da el beso de las buenas noches.

Para complicar más las cosas, Ned entiende que no basta con revivir a sus seres queridos y evitar volver a tocarlos. Cuando pasa más de un minuto y Ned no remata (nunca mejor usada la palabra) a la persona que revivió, quien en ese instante se encuentre más cerca… muere. Simple y efectivo.

Agregando elementos que podrían haber dejado a este chico totalmente rayado, quien muere porque él deja que su madre viva más de un minuto es Charles Charles,  padre de la mejor amiga de Ned y vecino de la casa contigua. El resto de la triste infancia del protagonista, ahora huérfano de madre, transcurre en un internado donde es dejado por su padre.

Pero la historia no se centra en un chico traumatizado, sino en el pastelero en que se convierte veinte años después. Un pastelero que, además, revivió a su perro luego de ser arrollado por un camión y al que sólo puede acariciar con una mano de madera (ya saben, para no volver a matarlo).

La vida de Ned es rutinaria, por más tenga un poder de lo más llamativo. Atiende su barcito, el Pie Hole, y no lleva el apunte de su socia, Olive, que está tontamente enamorada de él. Sin embargo, la historia que vale la pena contar empieza cuando entran en escena otros dos personajes: el detective Emerson Cod y Charlotte “Chuck” Charles, la amiga de la infancia de Ned, cuyo padre, recordemos, murió por los efectos colaterales del poder del pastelero.

El ácido investigador privado, Cod, descubre el poder de Ned y no tarda en proponerle una sociedad al mejor estilo Mistery Machine. Ned simplemente tiene que tocar los cadáveres de los crímenes que Cod investiga y el detective hará el interrogatorio pertinente a la víctima que regresó a la vida. Parece un negocio redondo, si no fuera porque el cadáver que Cod quiere investigar es el de la vecina de la infancia de Ned.

Ned comete el mismo error que con su perro Digby: devuelve a Charlotte (a partir de ahora “Chuck”) a la vida y se la lleva a vivir con él. He aquí un dilema, Ned ahora no puede tocar a su perro… ni a su nueva novia.

Uff… una explicación de lo más barroca pero necesaria.

Lejos de tener un drama psicológico al estilo Rogue/Gambit, de X-Men, la serie pone el sello de que los personajes no sufran demasiado, sino que vayan aceptando los obstáculos y, sobre todo, las rarezas. Como siguiendo el concepto burtoniano de “lo anormal es normal”, Pushing Daisies continuamente describe situaciones y personajes absurdos, tomándolos como algo más del paisaje.

Una de las particularidades de Pushing Daisies es que tiene un narrador que lleva la historia del presente al pasado e interrumpe las acciones de los personajes. Eso determina el ritmo saltarín de la serie y la sencillez con que se escribe una historia básicamente compleja. El poder de Ned no es algo simple, pero los personajes hacen que parezca habitual. La historia se enreda bastante pero nunca genera confusiones y, sobre todo, los episodios son bastante independientes el uno del otro.

La base de Pushing Daisies es que todo quede claro, aunque la explicación sea de lo más bizarra e insólita. Por lo general, el asesino es el jardinero, pero en lugar de matar a la dueña de casa con las tijeras de podar, la asfixia dentro de un arbusto cortado con la forma de un unicornio. Es que el chiste no está en saber quién es el asesino, sino de qué desquiciada forma llevó a cabo el asesinato y motivado por qué móvil psicótico.

También hay momentos de cierto gore, que podrían chocar con los colores chillones y la inocencia de los personajes, pero más bien agrega humor a la locura intrínseca de la serie. Cada vez que Ned toca un cadáver, empieza  hablar en cámara una mujer derretida por un faro, una monja suicidada, un jockey con la cara aplastada por una herradura o un cocinero freído en su propia mezcla. Nada es raro.

Además del trío de detectives protagónico (Ned, Chuck y Cod) hay otros personajes que con el correr de la serie van ganando notoriedad. Una de las más interesantes es Olive Snook, la aparentemente intrascendente y enamoradiza socia de Ned en el Pie Hole. Aunque empieza enfrentándose (unilateralmente) con Chuck por el amor de Ned, empieza a interesarse más por trabar amistad con las tías de Charlotte, Lily y Vivian. Estas mujeres son dos hermanas solteronas, ex estrellas de danza acuática que nunca salen de su casa y se entretienen criando abejas y teniendo cargada su escopeta de caza mayor. Olive es la única, además de Ned y Cod, que sabe que Chuck está viva e intenta levantar el animo de las depresivas tías sin decirle que su joven sobrina le escapó a la muerte. Ya en la segunda temporada, Olive se une al grupo de detectives junto con su cerdo mascota que llevó a casa después de su breve estadía en un convento.

Todos tus muertos

Bryan Fuller no pensó en la idea de Pushing Daisies de la nada. Fue también el creador de Dead Like Me, una serie
centrada en la no-vida de una chica convertida en la parca. Georgia “George” Lass muere en el capítulo piloto de esta opera prima de una forma que bien podría darse en Pushing Daisies: un inodoro de la estación espacial MIR cae a la Tierra y la aplasta. Probablemente Emerson Cod se habría sentido muy interesado en que Ned le ayudara a investigar esa muerte.

Fuller abandonó la serie antes de la segunda temporada por diferencias irreconciliables con la productora MGM. Una de las cosas que más le molestó fue que no le permitieran iniciar la línea argumental en que la joven George descubría que su padre era homosexual.

En 2004 MGM canceló Dead Like Me, pero Fuller ya se encontraba enfrascado en un proyecto más ambicioso y personal. En realidad, el personaje de Ned había sido pensado para la segunda temporada de su primera serie. Esperaba insertar en Dead Like Me a un joven que podía revivir a los muertos con sólo tocarlos.

Fuller parece haber logrado mayor libertad creativa, tanto argumental como estética en Pushing Daisies, pero nuevamente chocó con la cadena que la transmite. En 2008, el canal ABC anunció que Pushing Daisies sería cancelada por bajo rating. Los rumores comenzaron a aflorar: la serie no tendría final y sería terminada en comics.

Los fanáticos no parecieron convencidos con esto. El lenguaje audiovisual es fundamental en la ambientación de Pushing Daisies y evidentemente sería imposible trasladar eso a una narración escrita. Aunque nunca se barajó la posibilidad de una película directa a TV, finalmente Fuller dijo que, con el material que ya habían filmado, podrían dársele un final decente.

ABC sacó de un plumazo a esta serie junto con Eli Stone y Dirty Sexy Money, las cuales en un principio fueron bastante afectada por el paro de guionistas, pero habían ido ganando su nicho. Otro problema que probablemente ABC no contempló es que buena parte del caudal de audiencia de series actuales está en Internet. Aunque Pushing Daisies no fue una moda arrasadora, tuvo mucho que ver con el mundo cibernético.

En 2007, el capítulo piloto de la serie se estrenó en Internet. Causó un gran revuelo ya que pasaron muchos días hasta que la Warner aceptó que ellos mismos habían dejado que se filtrara para ver el efecto que provocaba en la audiencia.

Pero una vez más a Bryan Fuller le soltaron la mano, aunque mira la mitad del vaso lleno: “Estoy muy orgulloso y satisfecho del duro trabajo que hemos realizado para crear esto”. Aunque no llegue a ser la serie más enigmática de la actualidad, probablemente se convierta en la menos predecible, como si la televisión, por cuarenta minutos a la semana, hubiera vivido la experiencia de hablar otro lenguaje y ver el mundo con otros ojos. Lamentablemente, fue un sueño corto y demasiado bueno para ser real.

Los socios del pastelero

Lee Pace: Dejó la escuela secundaria para estudiar teatro y pasó por las tablas antes de llegar a televisión. Estuvo nominado a cuatro premios por su personaje de Ned en Pushing Daisies, entre ellos un Emmy al mejor actor de comedia.

Chi McBride: Con una nutrida carrera en series y películas, McBride estuvo muerto en The Fighteners, el film de Peter Jackson, como el compañero a lo disco Stu de Michael J Fox. También estuvo en 81 episodios de Boston Public y fue enemigo de Gregory House en Doctor House. También apareció en Yo, Robot y  La Terminal y le puso la voz a Chief Elder en Ultimate Avengers II, la segunda película animada que adapta la saga comiquera. Personifica al detective Emerson Cod.

Anna Friel: Es una actriz inglesa que comenzó actuando en series de la TV británica y mas tarde dio su salto al cine. En la serie interpreta a Chuck Charles. La mayoría de sus películas no son muy conocidas en Argentina, pero pasó por la ciencia ficción en Timeline y hasta el postergado género romántico- deportivo en Goal y Goal II. Está casada con el también actor inglés David Thewlis, que interpreta a Remus Lupin en las películas de Harry Potter.

Kristin Chenoweth:  Aunque también estuvo en otras series de TV, como The West Wing, Kristin es, sobre todo, cantante aunque su voz es bastante chillona y particular. Además de la TV y el mundo de música, participó en varias obras de Broadway entre ellas Steel Pir que le valió un premio internacional. En Pushing Daisies es Olive Snook.

Título original:  Pushing Daisies
País: Estados Unidos
Año de emisión: 2007/2009
Cadena: ABC
Creador: Bryan Fuller
Temporadas: 2
Cantidad de episodios: 22

142.900 habitantes. Superficie de 34.92km². Aeropuerto propio, zoológico propio, parque de diversiones y muchas playas. La escueta información  disponible en internet da una idea del sentido de existencia de esta localidad inglesa llamada Blackpool: el turismo. Y tomando un poco de esa impronta tan al paso, tan de cuidado de las apariencias, la miniserie de la BBC que lleva su nombre muestra la vida de una familia como disparador para hablar de más cosas. Secretos, traiciones, un homicidio y canciones. Ah, y muchos tragamonedas.

Sus seis capítulos de una hora filmados en 2004 cruzan la vida de Ripley Holden , dueño de un casino de medio pelo y padre de familia, con un crimen ocurrido entre sus máquinas de arcade y destapan una trama familiar tan atrapantemente kitsch como todo lo que la envuelve.

Su directora es Julie Anne Robinson, que también participó al frente de capítulos de series como Pushing Daisies y Grey’s Anathomy. En el caso de Blackpool tuvo el desafío y privilegio de componer la idea de Peter Bowker con dos magníficos actores de la talla de David Morrisey (State of play) en el papel protagónico y David Tennant (un ex Doctor Who). De ese engranaje creativo salió una serie interesante, bien estructurada y divertida, que por momentos se recostó más en el desarrollo de las historias personales de los protagonistas en lugar de la trama policial, pero que supo encontrar una identidad muy propia en un género tan remañido como el musical.

En este punto, Blackpool tiene grandes aciertos. Las canciones elegidas para el repertorio son, casi todas, excelentes y abarcan desde los necesarios homenajes a Elvis Presley, hasta Elvis Costelo, transitando The Smiths, The Clash, Queen, Billy Idol…

Tampoco es un musical común y corriente partiendo de que los actores no cantan sobre pistas de audio. Ni siquiera cantan “bien” en el sentido que suelen tener los musicales. Cantan como cualquier mortal lo hace en la ducha, pero aplicado a una narrativa que por momentos avanza -y gana mucho- en esas piezas musicales que irrumpen en cada episodio.

Los personajes cantan encima (o por detrás muchas veces) de las voces originales de los intérpretes, lo que al principio da una estética algo rara a la serie, pero termina siendo un truco bastante personal y bien logrado. También hay que decir que las coreografías están hechas, otra vez, por gente común. No hay bailarines que le sacan viruta al piso en el fondo mientras los protagonistas hacen lo que pueden con sus dos pies izquierdos. Todos se defienden, pero desde un lugar humilde y nada rimbombate, lo que a la vez hace que los números musicales no desentonen con ese estilo pretendidamente grotesco que se imprime en la serie y se lleva como bandera.

En lo referido a la historia, el detonante que une la vida de Holden con la del detective Peter Carlisle, es el asesinato de un joven en la sala de juegos del empresario local. Un hombre que a su vez pivotea entre engaños sistemáticos a su esposa, un hijo taciturno al que suele humillar queriendo o no y una hija que se pone en pareja con un hombre de su edad… para colmo ex compañero de la escuela.

Comparativamente, en la serie se presta mucha más atención a la vida familiar de Holden que al caso policial en sí mismo, que actúa más bien como la excusa (bien armada y bastante bien llevada, eso sí) para desestabilizar algo que se venia pudriendo hacía rato.

La serie comienza en un punto alto, prometedor y simpático, con un gran primer capítulo. Quizás ante la reiteración de algunos recursos, ya en el cuarto episodio parece que la trama se ha estirado un poco y la meseta no mejora demasiado con la resolución del misterio policial, pero vale decir que se apoya sobre todo en las buenas interpretaciones de un cast fabuloso, la dinámica que dan las canciones en sí mismas y un tono entre tragicómico y decadente.

Con un “Las Vegas de la B” como elemento que lo aglutina a todo, los actores que acompañan a los dos Davids son Sarah Parrish en el papel de la esposa culposa, un muy buen Thomas Morrison como el hijo menor, Georgia Taylor para la hija y Kevin Doyle como el novio disruptivo de la nena.

Un buen exponente del musical para TV, con mucha personalidad a la hora de definirse dentro de los clichés del género y con una historia que, encorsetada en los capítulos justos y necesarios a veces tambalea un poco, pero se mantiene con mucha altura hasta un final exacto, algo previsible pero que deja con el sabor de que se disfrutó de principio a fin.

Título original:  Blackpool
País: Gran Bretaña
Año de emisión: 2004
Cadena: BBC
Creador: Peter Bowker
Temporadas: 1
Cantidad de episodios: 6

Es difícil hacer una reseña (y que, para colmo, despierte el interés de alguien) sin detenerse en una aburrida explicación de a qué viene todo esto. Entonces resumámoslo en lo que hace falta saber: Doctor Who es una serie de ciencia ficción británica que se transmite, con interrupciones más o menos largas, desde 1963. La historia gira en torno a un Time Lord, alienígena de aspecto humano que viaja por el tiempo y el espacio  en una cabina telefónica de policía (la Tardis).

Dicha esa abrumadora aclaración, vamos a focalizarnos en las últimas dos temporadas de la que podríamos llamar la “nueva generación” de la serie, aquella que se inició en 2005 bajo la tutela creativa de Russel T. Davies (también creador de Torchwood) y con el gran Christopher Eccleston como protagonista. Las dos temporadas en las que aquí haremos referencia, justamente, no cuentan con ninguna de esas dos personas. Steven Moffat es quien ahora se encarga de supervisar todos y escribir algunos de los capítulos. Otro dato accesorio importante: el protagonista ( a partir de ahora El Doctor y si preguntan Doctor qué/quién, ya entendieron el título) tiene la capacidad de regenerarse. Eso justifica que a lo largo de toda la serie hayan existido once actores que lo interpretaron y en esta nueva generación va por el tercero. Y justamente éste, el último, es el que desde 2010 se desempeña como protagonista, a cargo del también excelente actor Matt Smith.

Retomando: esta reseña tratará sobre Doctor Who tal como la vemos en la “Era Moffat”. Las temporadas quen tiene como rey de reyes al guionista de Sherlock, Jekyll y Couple.

Cuando se anunciaron su partida tanto de Rusell T. como de David Tennant (sin dudas el Doctor favorito del fandom), las dudas y temores no se hicieron esperar. Apaciguó un poco saber que tomaría el mando Moffat, que se había convertido en una suerte de gurú dentro de DW al escribir algunos de los mejores capítulos de la serie, como The Girl in the Fireplace, The Empty Child, Silence in the library y el monumental Blink, una pequeña gran joya del sci fi televisivo:

Lo que sí alteró los espíritus fue la llegada del ignoto y jovencísimo (comparativamente hablando) Matt Smith para ponerse las converse del Doctor. El mayor problema con Matt eran las pocas referencias en su corta carrera y toda la mochila que le pasaba David Tennant. Finalmente, y acá es donde la reseña apunta a su objetivo, tras dos temporadas de Moffat creo que podemos decir que cumplió con creces.

Doctor Who se ha caracterizado por muchas cosas desde su regreso triunfal en 2005. Por un lado la vanguardia técnica que posee en sus efectos especiales, make up y animaciones. Para tratarse de una serie con presupuesto de TV, tiene grandes valores y un gran sentido práctico: todo queda sumamente realista, aunque haya costado, hablando de dinero, bastante menos de lo que parece. Es, sin dudas, la gran apuesta económica de la BBC y rinde sus frutos a nivel audiencia.

Pero uno de sus mayores atractivos fue ese interesante equilibrio entre las historias profundas, ásperas y angustiosas, con todo un trasfondo de humor ingenuo y cálido. Probablemente haya sido David Tennant quien más explotó, y con mejores resultados casi siempre, la faceta torturada del Doctor, pero sin dudas la verborrágica impronta juvenil de Matt Smith le imprimió una nueva carga, mucho más relajada y a la vez permeable al juego que en el último coletazo de la era Tennant se extrañaba.

La temporada de 2010 tuvo uno de los mejores arranques, con un capítulo con reminiscencias a The girl in the Fireplace en cuanto a la relación del Doctor con una jovencita que lo espera y ve pasar su vida en ese lapso. Aunque con un final mucho menos angustioso que en capítulo nombrado, finalmente la niña-que-espera se convertiría en Amy Pond (Karen Gillian), una joven que mantiene esa frescura que a veces roza lo lisérgico formando un combo con Smith que ayuda a un ritmo mucho más agitado que el de temporadas anteriores.

Y lo que en principio parecía una remake del olvidable Mickey de la temporada 2005, se convirtió en otro de los grandes aciertos a nivel cast: a la pareja protagónica se le sumó un segundo companion, Rory (Arthur Darvill). El personaje, novio de Amy y un clásico chico de pueblo, le sumó un plus de cavilaciones y replanteos a los dementes Doc y Amy que sirvió de contrapeso perfecto para formar un equipo de aventuras donde prima la evidente buena relación de sus actores.

A nivel historia, las dos temporadas de Moffat no pudieron ser, obviamente, siempre del nivel de capítulos como Blink. Tuvo algunos episodios de relleno y otros bastante refritados entre los 13 que conforman cada temporada, pero en líneas generales se mantuvo un promedio de buenas historias, bien narradas y en general originales, que mantienen la atención después de tanto kilometraje Who.

Siempre quedará en el podio ese Tennant al que nadie puede hacerle sombra, pero en lo personal tengo la impresión de que también en eso hay un poco de idealización. Sin poder definirme por ningún Doctor en particular, sí diré que el de Matt Smith fue al que más rápido me habitué y en gran medida debido a lo hiper dramático que se había vuelto Tennant en su rol. No por su culpa ni la de los realizadores, sino por el simple efecto de tanta atención y expectativas puestas en él, tantas historias sumamente trascendentales que pasaron por el cuerpo de ese Doctor 10th, que en cierto momento parecía volverlo una carictura de sí mismo con la repetición de gestos, situaciones y lamentos.

La apuesta de Matt Smith y, en gran medida, de Moffat, fue justamente darle un vuelco a la serie antes de que la rutina la matara y si bien el resultado no fue perfecto, dejó ilesa a una serie constantemente puesta a prueba. Porque la propia lógica whovian de que el Doctor es una suerte de continuum, hace que resulte inevitable que tarde o temprano la serie deba dirigirse hacia algún punto cúlmine, algún objetivo último que no la convierta en un loop sin fin.

Por suerte, episodios como “The Doctor’s Wife” a cargo del prócer Neil Gaiman, “Vincent” o los clifhangers entre temporadas y dentro de las mismas, siguen dejando en claro que, se la tome desde el momento que se la tome, Doctor Who sigue siendo uno de los grandes pilares del género y de las formas de escribir ciencia ficción con la creatividad de un grupo de genios como simple materia prima.